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Josep Subirats

Posted in Arte, Exposiciones by mdoloresal on diciembre 1, 2011

 

 

Leía esta mañana un  artículo de Vinçen Navarro en  “Público”, que titulaba Arte y política, escrito a propósito de la exposición que recogía la obra de Subirats en el  Museu d’Història de Catalunya:  Subirats, periplo de un artista

En el  artículo señalaba que …. En los últimos meses ha habido conmemoraciones de tres figuras relacionadas con el arte pictórico que merecen especial atención por su significado político, oculto e ignorado en dos de ellas…

Una de las figuras a las que hacía referencia era Gertrude Stein de la que recientemente  se celebró una exposición La aventura de los Stein en el Grand Palais de París, exposición en la que  nada recordaba su ideología favorable al fascismo.  Otro pasado oculto que señala es el de Salvador Dalí, una de las voces defensoras del fascismo franquista,  lo que no ha llevado a convertirlo en artista olvidado.  Y eso le lleva a  la tercera figura, la de un casi desconocido Josep Subirats, pintor que ha permanecido en el olvido por haber participado activamente en contra del golpe fascista.

De ello concluye que precisamente aquel de quien nada hay que ocultar en su pasado permanece oculto, porque ….. la burguesía continúa dominando la cultura artística del país.

De Subirats destaca que … desde su juventud un pintor dedicado a las clases populares con las cuales se sintió identificado. Analizar sus pinturas es comprender y estimar la enorme lucha del pueblo catalán y español en su lucha contra el fascismo. Desde el póster de la UGT que animaba a los campesinos a apoyar a la República, a la llamada de apoyo en Catalunya al pueblo madrileño que estaba resistiendo al asedio fascista, pasando por los dibujos de los campos de concentración donde estuvo preso, y la descripción gráfica de las barracas donde vivían los trabajadores después de la guerra.

Para cerrar deseando  que esta exposición se mostrara por todo el territorio español (si estuviéramos en Facebook, habría que indicar “Me gusta”)

Para conocer algo más de su obra, además de los que permite ver el  Museu d’Història de Catalunya desde el enlace, os dejo otro a un álbum de fotos de Manuel Plana Sicilia en Picassa, con 40  dibujos  de Subirtas

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Dibujantes urbanos

Posted in Arte, Técnicas artísticas by mdoloresal on enero 21, 2010

 

Encuentro hoy en El País (Ciberp@is), un reportaje que titula Los dibujantes reporteros se reúnen en Urban Sketchers, y no puedo evitar iniciar un artículo.

Se trata de una comunidad de más de cien artistas de todo el mundo que se dedican, cuaderno de dibujo en mano,  a mostrar el mundo dibujo a dibujo.

La página, a la que pertenece el dibujo de Benedetta Dossi que encabeza el artículo, es Urban Sketchers (tenéis también enlace en Blogs), y fue fundada en 2008 por un periodista e ilustrador catalán, Gabriel Campanario, que trabaja en  el The Seattle Times y que se planteó reunir en un solo blog al colectivo de dibujantes urbanos  que había conocido por Internet, de manera que se pudieran verse todas las ciudades en un solo blog.

Y ciertamente, como señala el reportaje, una pasada por el blog te permite viajar de Tokio a Lisboa pasando por Barcelona, si quieres, a través de los dibujos.

Para muestra un botón:  el dibujo de Benedetta Dossi es de  Via del Governo Vecchio, via dei Banchi nuovi, una zona de Roma, pero podemos irnos al norte de Londres:

 

o imaginarnos un paseo por Lisboa bajo la lluvia

 

Pero también los dibujantes urbanos españoles tienen una sección y un blog: Urban Sktechers Spain (enlace también en Blogs), que dirige un gijonés, Xuan Martínez. El blog cuenta ya con 36 autores dibujando en poco más de dos meses de existencia.

 

De Xuan Martínez, La playa del Arbeyal

o este 600 tuneado que aparece en el reportaje.

 

El proceso de creación, sencillo: Lápiz, libreta, boceto inicial, meticuloso y preciso dibujo posterior, digitalización de imágenes -sin manipulación más allá de “bajar el peso”  para incluirlas en el blog- y en algunos casos como el de Miguel Herranz cuando terminan una libreta la filman y el archivo de vídeo… a Youtube.

Al Canal en Youtube de Miguel Herranz pertenece el que os dejo aquí:

 

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Albert Ràfols-Casamada

Posted in Arte by mdoloresal on diciembre 17, 2009

Albert Ràfols Casamada, uno de los grandes artistas de vanguardia de la segunda mitad del siglo XX y uno de los referentes de la abstracción lírica, ha fallecido (17 de diciembre), en Barcelona a los 86 años.

Ràfols Casamada creó una extensa y reconocida obra pictórica, pero también literaria –si bien esta última fue tardía–.

Entre sus obra destacan ‘Aurora roja‘, ‘Finestra a Cadaqués‘ e ‘Interior blanc’. Su  personal y particular  uso del color le valieron comparaciones con el expresionista abstracto norteamericano Mark Rothko.

Su obra se encuentra en los museos más importantes del mundo:  el Guggenheim Museum  y el MOMA  de Nueva York , el Centro de Arte Reina Sofia de Madrid, el Centro Georges Pompidou de París,  la Tate de Londres o la Fundación Joan Miró de Barcelona.

Entre los premios recibidos están el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura (1980), la Cruz de Sant Jordi de la Generalitat (1983), la Legión de Honor del Gobierno de Francia (1991) y el Premio Nacional de Artes Visuales de Catalunya (2003).

En 2003 se pudo ver en el Palacio Revillagigedo una exposición de su obra (1989-2002)

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A “modo de traducción”: la introducción del vídeo. Aunque en catalán, es “entendible” y, sobre todo, visual e ilustrativo de la obra de Ràfols Casamada:

Pintor y escritor, Albert Rafols-Casamada (Barcelona, 1923) es un artista implicado con las vanguardias de su tiempo. De formación autodidacta, tras unos inicios figurativos pasa la arte abstracto al que ha mantenido fiel.

Su abstracción dominada por la luz, le ha hecho merecedor de un gran prestigio que le ha llevado a exponer en numerosas partes del país, de Europa y de América. También ha destacado como profesor de diseño –Enia-y crítico de arte.

Por otra parte, escribe poesía desde joven aunque no ha empezado a publicar hasta edad madura. Con sus poemas, influidos por su plástica, busca iluminar todo con la luz de la poesía. También cultiva la prosa a través de sus dietarios, centrados básicamente es su actividad artística. La fusión de literatura y pintura se produce, sobre todo, en sus poemas visuales, pero también en las ilustraciones tanto de libros propios como ajenos.

SOBRE EL ESCRITOR

Aunque su carrera literaria fue tardía, cultivó géneros tan variados como el ensayo y la poesía e incluso integró su pintura en la literatura ilustrando clásicos literarios catalanes como ‘Mirall trencat‘, de Mercè Rodoreda.

De sus escritos destacan los poemarios ‘Notes nocturnes’ (1975) –formado por poemas visuales–, ‘Territori de Temps’ (1979), Angle de llum’ (1984), ‘Els colors de les pedres’ (1989) y el ensayo ‘Sobre pintura’ (1985). En el 2000 reunió su obra poética en ‘Signe d’aire: obra poètica, 1939-1999’.

También es autor de los dietarios ‘L’escorça dels dies (fulls de dietari, 1975-1977), que continuó con ‘D’un mateix traç (fulls de dietari, 1978-1982)’, que publicó en 1994.

  • Noticia en La Vanguardia sobre su obra literaria,  (la edición en el 2000 de su obra poética completa) en PDF

 

Algo de su obra:

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Tim Burton en el MOMA

Posted in Arte, Exposiciones, Técnicas artísticas by mdoloresal on diciembre 15, 2009

 

Una declaración de principios, ¡adoro a Tim Burton!

Por eso estoy encantada de poder situarlo en un blog dedicado a la imagen “fija”;  introduciéndolo, pues,  más allá de aquellos en los que  le había,  inevitablemente,  incluido:  Actividades de Lengua o de Cine

Ahora tenemos ocasión de ver -aunque sea en un blog- gran parte de sus trabajos no cinematográficos gracias a a exposición que el MOMA le ha dedicado.

 

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El MOMA expondrá, hasta el 26 de Abril de 2010,  una retrospectiva en la que se exhiben piezas de arte que rara vez se han enseñado al público o que se remontan a la infancia del artista.  Dibujos, pinturas, maquetas, bocetos, trabajos de imagen en movimiento, títeres, disfraces, y cine comprenden las más de 700 obras que están en exhibición en el MoMA, desde noviembre de 2009.

Paralelamente a la exhibición de los trabajos de Burton,  bajo el título  Tim Burton y la belleza escabrosas de los Monstruos, el Departamento de Cine presenta  una serie de películas que han influenciado, inspirado, e intrigado a Burton, y que reflejan los motivos, temas, y la sensibilidad de su trabajo.  Tomando como punto de partida la proyección de películas de horror que Burton ha visto en su juventud, la serie se extiende a lo largo de cinco décadas e incluye películas famosas de animación stop-motion, el expresionismo alemán, el Gran Guiñol de terror, los monstruos de Universal, y serie B de ciencia-ficción. Burton ha comentado sobre la visión de estas películas en su adolescencia: “Me encantó la belleza de estas espeluznantes películas de monstruos. Me hablaron. Yo no entendía el mundo, y estas películas eran de alguna manera la forma simbólica de reflejar lo que sentía. “

Es decir, todo un lujo.

 

Y ya que la exposición no estará al alcance tan fácilmente, os dejo  algunos recursos.

En “formato libro”, en ISSUU (siento tener que dejar enlace pero para verlo directamente en el blog necesitaría el consabido plugin que el mío no admite), así que a pulsar sobre la imagen; también podéis verlo  en PDF desde la página del MOMA.

 

 

Una presentación  elaborada a partir de algunas de las obras expuestas (con problemas derivados, mil disculpas,  de intentar pasarla a vídeo)

La música corresponde a “La novia cadáver” y es de su inseparable Danny Elfman.

 

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Y aún a costa de recargar el post, algo de su último cine:   trailer de  Alicia en el País de las Maravillas,  un trailer de  su última obra como productor, Número 9, uno de sus primeros cortos, homenaje a Vincent Price, Vincent, un episodio del Chico Mancha -personaje de su libro “La melancolica muerte de Chico Ostra”-, creado para Internet aunque se proyectó también en televisión, y una entrevista a propósito de la exposición en el MOMA. La imagen utilizada como fondo del poster, cómo no, es del propio Burton.

 

 

Director de cine, guionista, escritor, productor… Por si queréis saber algo más:

Web personal (increíble; además os acompaña el Chico Mancha)

Burton cineasta

En Wikipedia

Botero y Abu Ghraib

Posted in Arte, Exposiciones by mdoloresal on mayo 30, 2008

 

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Imágenes en La Vanguardia

 

Como en otras ocasiones, la prensa sirve de disculpa para introducir un nuevo artículo, aunque esta vez la idea surgió también en clase al comentar la imagen de Fernando Botero sobre el matrimonio Arnolfini, de Van Eyk (1434) -que utilizamos como ilustración para las actividades- y recordar entonces los cuadros que Botero había dedicado al tema de Abu Ghraib y que se exponían ahora en España.

Entre 2004 y 2005, el artista colombiano Fernando Botero pintó una serie de cuadros y dibujos inspirándose en las imágenes publicadas en prensa, durante la pasada guerra de Irak, de las torturas a las que fueron sometidos los prisioneros de la cárcel de Abu Ghraib por parte de algunos soldados americanos. Son esas obras, que ya ha recorrido diversos museos de Italia, Alemania, Grecia y EEUU, las que se exponen ahora en el Centro Julio González del IVAM.

Y aunque esta no e sla primera vez que Botero pinta sobre los horrores de la guerra (incluida la situación en su país, Colombia), lo que destacan de esta exposición es, sobre todo, el tono de indignación, la repulsa ante la violación de los derechos humanos en la prisión de Abu Ghraib, así como la particular iconografía cristiana a la que recurre para mostrar este martirologio moderno.

Así que os dejo información y una presentación, al final con algunas obras:

La noticia de la exposición que se inauguraba en Valencia, con el título El circo y la guerra, venía, lógicamente en varios periódicos. Os incluyo informaciones de dos, El País y La Vanguardia

 

La Vanguardia:

La exposición se compone de un total de 95 obras, entre pinturas y dibujos. Las dedicadas a la prisión de Abu Ghraib (prisión en la ciudad iraquí que tras la invasión de Irak en 2003 pasó a llamarse Camp Redention), nunca habían sido antes expuestas en España. Las dedicadas al mundo del circo “han salido directamente del taller al IVAM; la pintura aún está fresca” en palabras de Botero, quien también indicaba que “Ha sido una decisión deliberada; contrastar el horror y la celebración de la vida”

La serie de la prisión iraquí juega con los ocres, con los tonos oscuros; los cuadros, además, se han expuesto separados, con grandes espacios entre ellos, con una iluminación tenue “para transmitir mejor el horror de los prisioneros a manos de marines estadounidenses“. [En la fotogalería de El País se puede comprobar esta disposición de los cuadros en la exposición]

No es así en el caso de la serie del circo, donde abundan los colores vivos, los contrastes, y donde los cuadros están casi “amontonados, para comprender mejor la explosión feliz de la vida“.

Botero, preguntado por ambas temáticas, resumía que en un caso le movió su “indignación“; en el otro, se trata de un tema recurrente en los grandes artistas de la historia. “Desde Picasso hasta Tolouse-Lautrec, todos los grandes creadores han abordado el mundo del circo, y para los pintores no existen demasiadas temáticas, lo importante es dar nuestra propia visión de cada una”.


El País, 21 de mayo de 2008:

Botero engorda en el IVAM el horror de la tortura

En abril de 2004, el mundo conoció el horror que se perpetraba en la prisión de Abu Ghraib, cerca de Bagdad, donde soldados estadounidenses torturaron a los prisioneros iraquíes. Aquellas imágenes impactaron a Fernando Botero (Medellín, 1932), un artista que ya se había asomado al infierno de la violencia en obras sobre los conflictos armados en Colombia. Unos meses más tarde, en un vuelo transoceánico, Botero comenzó a esbozar “lo que imaginaba que pasaba allí“. Lo hizo “como envenenado“, dominado por “una ira profunda“, y, desde sus entrañas, salió una serie de 24 pinturas y 22 dibujos que forman la serie Abu Ghraib, una obra sobre “la hipocresía de un país que alardea de ser el modelo del respeto a los derechos humanos en todo el mundo”. Tras ese esfuerzo por retratar “la injusticia y la monstruosidad”, Botero necesitaba “una inyección de vida”. Se marchó a descansar a un pueblecito mexicano, en la costa del Pacífico. Allí recaló un buen día “un circo pobre, con animales famélicos y artistas melancólicos”.

El pintor antioqueño se interesó por aquel grupo ambulante y habló con sus integrantes. Descubrió un mundo que arrastra una extensa tradición artística y lo hizo suyo, para “curar esa tristeza“, a través de 25 pinturas y 24 dibujos que reflejan “un deseo profundo de color” en contraposición a “la vida gris” que los artistas intentan colorear. Ambas series confluyen desde ayer en el IVAM en una exposición que reúne los últimos trabajos de Botero, en un mestizaje de felicidad y drama, la cara y cruz de la vida. Abu Ghraib llega tras un exitoso itinerario por varios países, donde ha dejado la huella del “recuerdo y acusación permanente”, y El circo se exhibe por primera vez en el mundo.

La información la firma Paco Gisbert

 

Fotogalería de El País

Y la presentación prometida:

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Y por si alguno en esas fechas está por Valencia, la exposición El circo y la guerra se puede visitar:

Fecha Inicio: 20 de Mayo de 2008
Fecha fin: 6 de Julio de 2008
Técnica: Pintura
Horario: De mar. a sáb. de 10 h. a 13 h. y de 16 h. a 18 h.

Robert Rauschenberg

Posted in Arte by mdoloresal on mayo 14, 2008

Una noticia de El País, ayer, 13 de mayo, informa de la muerte de Rauschenberg. El titular:

Muere Rauschenberg, el reformador del arte de EE UU

Fotografía de archivo de El País

Rauschenberg fue, sin duda, uno de los mejores representantes del Expresionismo abstracto y muchos le consideraban el padre del Pop Art.

De su carácter de pionero dan buena cuenta los artículos de prensa:

El Mundo: […] finales de los años 40, cuando un joven y desconocido Robert Rauschenberg estudiaba arte en Carolina del Norte, organizó con algunos de sus amigos de College una especie de obra de teatro: ‘Theatre Piece #1’. Era el primer Happening de la historia. Aquella aventura universitaria resume la carrera artística del genio del arte estadounidense de posguerra: la experimentación. Nuevas técnicas (litografías, serigrafías), nuevos materiales (desde cuerdas y neumáticos hasta una colcha de colores o chatarra) y grandes obras (ya fuesen lienzos o pinturas-esculturas) caracterizan las obras del genio […]

El País: […] Rauschenberg nos ha enseñado a ver el objeto cotidiano, el objeto de la calle, el accidente del material, con una nueva visión estética. Antes de él no éramos capaces de entender una chapa de metal clavada sobre una viga de madera y un reloj que hace tic-tac. Nos enseñó ese arte de la calle, de lo cotidiano, fuera de una estética exquisita, académica. Dio un valor estético nuevo al objeto vulgar.

Las obras de Rauschenberg dieron un nuevo sentido al concepto de escultura: valga como ejemplo su obra Canyon, que consistía en un águila calva (el símbolo de EE UU) disecada y atada a un lienzo. […]

 Canyon, 1959
Las obras de Rauschenberg dieron un nuevo sentido al concepto de escultura:
valga como ejemplo su obra Canyon, que consistía en un águila calva (el símbolo de EE UU)
disecada y atada a un lienzo.   El País

Para conocer más del expresionismo abastracto:

Imagendeart

Masdearte

Arte universal

Para saber más de Robert Rauschenberg

Biografía y estudio crítico

En el Museo Thyssen

Wikipedia

Algunas obras en Ciudad de la pintura

El momento en que el arte cambió para siempre

Posted in Arte, Exposiciones by mdoloresal on marzo 19, 2008

Este es el subtítulo de una exposición en la Tate Modern de Londres dedicada a la obra de Duchamp -otro de mis nombres favoritos, como sabéis-, una de cuyas obras ha sido elegida como la más influyente del siglo XX, su famosa Fuente.

 

duchamp-readymade.jpg

En la sección de Cultura, de El País, publican un par de interesantes artículos en torno a Duchamp y el subtítulo que da nombre al de nuesto blog: El momento en que el arte cambió para siempre. Los firman Patricia Tubella y José Guirao Cabrera. Os facilito también el enlace a una Fotogalería de la exposición, con obras de Duchamps, Man Ray y Picabia.

 

 

Sobre la Tate Modern

Se trata de la galería de arte más importante del Reino Unido y cuenta con una colección permanente de arte moderno desde 1900 a nuestros días, con obras de los aistas más representativos del siglo XX, entre ellos Picasso, Warhol, Francis Bacon, Lichtenstein o Dalí.

 

tate_polaroiz.jpg

 

Debe su nombre y origen a un coleccionista particular, Sir Henry Tate. Se encuentra a orillas del río Támesis en la antigua central eléctrica de Bankside.

La Tate Modern forma parte de La Tate (antes llamada Tate Gallery), un conjunto de cuatro museos: Tate Britain, Tate Liverpool, Tate St. Ives y la propia Tate Modern.

 

 

 

 

 

Sobre Duchamp y sus ready-made

De lo mucho que podíamos estar escribiendo de Duchamp, quiero comentaros solo algunos datos ligados al mundo del objeto para Duchamps, sus ready made (Duchamp debería ser para vosotros un viejo conocido. Recordad que en la unidad anterior, ya habíamos hablado de él: primero en relación a Marey y más tarde, al revisar el surrealismo y entre otras manifestaciones ligadas al movimiento, vimos Anemic Cinema -podéis ir al blog o verla, de nuevo en el Vodpod-. En esta, al comentar las funciones de la línea, hemos utilizado como ejemplo de linea como movimiento el cuadro Desnudo bajando una escalera)

Los Ready mades poseen dos características importantes: por un lado, constituyen una clara provocación hacia todo lo que se consideraba arte y sus convenciones; por el otro, abrieron las puertas creativas de una manera nunca imaginada hasta entonces. El truco esta en la elección del objeto y en el contexto en el que se ha de presentar. Ni un taburete en la cocina ni una rueda de bicicleta en un garaje constituyen una escultura, no obstante ambas, descontextualizadas, en una galería de arte puede convertirse en arte. (Precisamente esta -una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina- fue la primera ready made de Duchamp en 1913)

El propio Duchamp nos aclara el concepto:

 

En 1913 tuve la felíz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina y de mirar cómo giraba. Unos meses más tarde compré una reproducción barata de un paisaje de atardecer invernal, que llamé “Farmacia” tras haberle añadido dos breves toques, uno rojo y el otro amarillo, al horizonte.


En Nueva York, en 1915, compré en una quincallería una pala de nieve sobre la que escribí: “En previsión de brazo roto” (In advance of the broken arm). Fue por esa época cuando se me ocurrió la palabra “ready-made” para designar esta forma de manifestación.


Hay un punto que quiero establecer muy claramente y es que la elección de estos ready-mades
duchamps_polaroiz.jpg nunca me vino dictada por ningún deleite estético. Esta elección se basaba en una reacción de indiferencia visual, adecuada simultáneamente a una ausencia total de buen o mal gusto… de hecho una anestesia completa.


Una característica importante: la breve frase que en cada ocasión inscribía en el ready-made. Esta frase, en lugar de describir el objeto como lo hubiese hecho un título, estaba destinada a transportar la mente del espectador hacia otras regiones más verbales. A veces añadía un detalle gráfico de representación: llamaba a eso para satisfacer mi tendencia a las aliteraciones, “ready-made ayudado” (“ready-made aided”).


Otra vez, queriendo subrayar la antinomia fundamental que existe entre el arte y los ready-mades, imaginé un “ready-made recíproco” (Reciprocal ready-made): ¡Utilizar un Rembrandt como tabla de planchar!


No tardé en darme cuenta del peligro que podía haber en usar sin discriminación esta forma de expresión y decidí limitar la producción de los ready-mades a una pequeña cantidad cada año. Comprendí por esa época que, para el espectador más aún que para el artista, el arte es una droga de hábito y quise proteger mis ready-mades contra una contaminación de tal género.


Otro aspecto del ready-made es que no tiene nada de único… la réplica de un ready-made transmite el mismo mensaje; de hecho casi todos los ready-mades que hoy existen no son originales en el sentido usual del término.

Una última observación para concluir este discurso de egomaníaco: Del mismo modo que los tubos de pintura empleados por el artista son productos manufacturados y ya hechos. Debemos concluir que todas las telas del mundo son ready-mades ayudados y trabajos de acoplamiento.


A propósito de los ready-made Marcel Duchamp, 1961.

¿Qué perseguía Duchamp con sus exposiciones de objetos elegidos? Claramente, en primer lugar, desorientar al público, provocar un choque en espectadores apegados a la tradición. Pero también, probar la importancia intrínseca del objeto al margen de su utilidad, además de sugerir relaciones entre el objeto y el sujeto

Sobre la Fuente

La pieza, elegida como la más influyente en el arte del siglo XX era un sencillo urinario de porcelana, y sin embargo, es una pieza clave de toda una transformación para el arte.

La pieza original fue expuesta por primera vez en el Salón de Artistas Independientes de 1917 en Nueva York. La exhibición pretendía ser una muestra del arte de lo más novedoso y vanguardista de principios de siglo XX. (Curiosamente no había ni jurado ni selección, pero había que pagar seis dólares por participar) Duchamp pagaría los seis dólares y participaría dentro de la exhibición con un pseudónimo R. Mutt con su urinario masculino de porcelana. La obra causaría tal controversia que fue retirada a los dos días de la exhibición.

Marcel Duchamp había adquirido la pieza directamente de la fábrica de J. L. Mott Iron Works, fabricantes de materiales de plomería y baño. Y en este caso, toma el objeto tal y como es -únicamente lo cambia de posición-, sin manipularlo. Justo antes de entregar la pieza para la exposición la firma con el pseudónimo “R. Mutt 1917” y parece ser que esta sería la primera vez que ve el objeto. La colocaría sobre un pedestal descansando sobre su parte posterior y enfrente de una pintura dentro del Salón de Artistas Independientes.

En El Ángel caído, he encontrado este comentario contemporáneo a la exposición:

Comentario aparecido en la época de la exposición como editorial de la revista The Blind Man:

El asunto Richard Mutt.

Dicen que cualquier artista que pague seis dólares puede exponer. El señor Richard Mutt envió una fuente. Sin dicusión este artículo desapareció y nunca fue expuesto. He aquí las razones para rechazar la fuente del señor Mutt:


1. Algunos arguyeron que era inmoral, vulgar.
2. Otros que era un plagio, una simple pieza de fontanería.


Pero la fuente del señor Mutt, al igual que una bañera, no es inmoral, eso es absurdo. Se trata de un accesorio que se ve a diario en los escaparates de los fontaneros. Si el señor Mutt hizo o no hizo la fuente con sus propias manos carece de importancia. Él la ELIGIÓ. Cogió un artículo de la vida diaria y lo colocó de tal manera que su significado habitual desapareció bajo el nuevo título y punto de vista: creó un pensamiento nuevo para ese objeto.
En cuanto a la fontanería, eso es absurdo. La únicas obras de arte que ha producido América han sido sus productos de fontanería y sus puentes.”

Coincide, por tanto, con la propia idea de Duchamp, perfectamente consciente de sus experimentos al decir que “la simple elección de un objeto ya equivalía a su creación” .

 

 

Algunos complementos

Por si hubiera problemas con los enlaces y para comodidad a la hora de trabajar con ellos, os dejo los textos de El País en PDF:

  • Fragmentos de entrevistas con Duchamps, también sobre los ready made, en WORD:

Fragmentos de entrevistas sobre el ready

 

También, y en previsión de que pueda fallar la Fotogalería os preparé una presentación con las cinco imágenes que incluía y alguna más de Duchamps, Picabia y Man Ray.

 

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Y os recuerdo que en Vodpod podéis encontrar:

  • Anemic Cinema, de Duchamp
  • Man Ray y el dadaísmo
  • Duchamp, Man Ray and Picabia at Tate Modern (breve reportaje en inglés)
También en el blog dedicado a la imagen en movimiento tenéis Entreacto de René Clair con la intervención de Picabia, además de otras de Man Ray (Le retour a la raison y La estrella de mar)